[Della forza della fantasía umana]. Obra de Ludovico Antonio Muratori (1672- 1750), publicada en Venecia en 1745. Las meditaciones acerca de la perfecta poesía llevaron a Muratori a hacer a la fantasía, que él había conocido en su específica na­turaleza de actividad creadora, objeto de su reflexión. Profundizando en la distinción entre fantasía e intelecto, trata de recono­cer los límites de ambos y su diferente des­tino; y en veinte capítulos razona extensa­mente «sobre la diferencia del intelecto y de la fantasía humana», considera cuáles son las funciones de la fantasía y reconoce en ella una maravillosa señal del poder y de la sabiduría de Dios. Después trata de la memoria, que reconoce — con Vico — co­mo uno de los signos principales de la fuer­za de la fantasía y uno de sus más válidos apoyos para dirigirla acertadamente.

A pe­sar de no admitir de lleno la valerosa de­fensa de los derechos de la fantasía hecha a mediados del siglo XVII por el cardenal Sforza Pallavicino, Muratori, definiéndola como «aprensiva inferior», le dedica una gran parte de su poética y le asigna el fin de «representar» lo que le agrada, y la re­conoce como un artífice de primer grado de conocimiento o conocimiento de lo vero­símil, la distingue del intelecto o «apren­siva superior», a la que corresponde ocuparse de la ciencia. Muratori, pues, a pesar de atribuir a la fantasía una relativa auto­nomía, no le reconoce la actividad creadora y su definición permanece detenida en los prejuicios de las distinciones intelectualistas. Esta obra, junto con la otra De la perfecta poesía italiana (v.), tuvo una indiscutible autoridad durante todo el si­glo XVIII. La mejor edición es la de Nápoles, 1757, comprendida en la recopilación de las obras menores de este gran erudito.

G. Franceschini

[La forza dell’amor paterno]. Melodrama en tres actos de Alessandro Stradella (1645- 1682), representado en Génova en 1678. La obra es importante por ser uno de los ejem­plos más característicos de aquel período de transición que lleva del melodrama ini­cial hasta la ópera-concierto del siglo XVIII, compuesta por fragmentos independientes, cuya construcción interna obedece solamen­te a leyes musicales. En el melodrama de Stradella es ya evidente la tendencia al canto desplegado, que el gusto barroco del siglo XVIII cubre a menudo con ricos orna­mentos; pero la expresión dramática está buscada con sensibilidad y es frecuentemen­te lograda de una manera ejemplar. Así ocurre en la Fuerza del amor paterno, que con el Trespolo tutore constituye lo mejor que ha llegado a nosotros de las obras tea­trales de Stradella. El rey Seleuco se dis­pone a contraer segundas nupcias con la princesa Estratónica, a quien Antíoco, hijo del rey, ama en silencio tan apasionadamen­te que llega a enfermar. El rey sospecha de este amor y está dispuesto a sacrificarse por su hijo; pero éste, al ser interrogado, insiste generosamente en esconder sus sen­timientos.

Ante la inminencia del matri­monio su dolor se hace tan agudo, que ya le es imposible ocultar la causa, y entonces el padre, definitivamente enterado, renuncia a sus propias nupcias y da a la muchacha por esposa a Antíoco. No falta aquí, como en muchos melodramas del siglo XVIII, el elemento cómico, representado por una da­ma de edad madura y sus grotescos anhelos amorosos. Los recitativos, expresivos en su fuerza declamatoria y cantable, se desen­vuelven de distinta manera en la configura­ción melódica, si bien su estilo no difiere mucho del de las arias formadas por pe­ríodos regulares. Muchas de éstas brillan por su intenso acento lírico. El acompaña­miento instrumental está en su mayor par­te resumido en el sencillo «bajo cifrado», pero en algunos casos se le añaden partes reales aunque sin indicación de qué instru­mentos deben ejecutarlas. La obra empieza con un trozo instrumental que es reem­prendido en el contexto de la misma. Este procedimiento indica cómo Alejandro Stra­della ha sabido adelantarse a las teorías y las prácticas propias de los grandes autores de ópera del siglo XVIII.

M. Bruní

Comedia en un acto y dos cuadros de Jacinto Benavente (1886-1954), estrenada en el Teatro Lara el 10 de noviembre de 1908. De idilio emi­nentemente cristiano fue calificado por la crítica, y, en efecto, con una enorme ter­nura, Nell, la equilibrista del circo a que pertenece Fred, el trapecista y saltarín prodigioso, decide abandonar a sus compa­ñeros cuando Fred, víctima de un accidente que le ha dejado cojo, debe quedarse en el hospital mientras el circo (con sus perso­najes fabulosos, sus querellas y sus pasio­nes) levanta el campo para seguir su ruta.

Entre los camaradas de Fred y de Nell están Hugo y Bob, enamorados de Nell y dispuestos a conquistarla. Hugo, incluso, conquistó el derecho a ser considerado co­mo pretendiente riñendo de modo feroz, por la fuerza bruta, con Fred, cuando éste era fuerte y estaba sano. Y ahora se las pro­mete muy felices porque Fred, inútil, se queda en el hospital mientras el circo sigue su vida ambulante. Pero Nell ama con todo .su corazón a Fred, y conquista la voluntad del buen Bob, amaestrador de perros y enamorado suyo también, para que se una a ella y se separen ambos del circo y cons­tituyan una entidad independiente, con Fred, para trabajar solos en las ferias. Bob, compadecido y lleno de amor, asiente. Des­pués de una conmovedora despedida de to­dos los componentes del circo, que van al hospital a dar un abrazo a Fred, al cual cuentan que Nell y Bob se han despedido de la compañía para unirse, entran Nell y Bob y ofrecen su resolución a Fred. El desdichado muchacho, consciente de su in­utilidad, no quiere aceptar lo que consi­dera un sacrificio de la mujer amada y de Bob; y decide escaparse de ellos. Pero sor Simplicia, la monjita que cuida de Fred en el hospital, le disuade de su huida; le en­seña, con amorosas y cristianas razones, el valor del sacrificio y la mansedumbre de aceptarlo. Nell consigue que Fred acepte, y de ahora en adelante irán los tres: ella, Bob y Fred, en su carro, con sus perritos amaestrados, el cable para los equilibrios, el trapecio, y el amor más puro, por los caminos de las ferias sin separarse nunca.

C. Conde