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CIELO AZUL, UNA COMETA:MIS ALAS PARA SOÑAR,POESÍA DE UN ALMA CUBANA

Alexis Hechavarría 

Apocalipsis del lagarto 

Décimas y sonetos

Prólogo de Carmen Plaza 

Ed. Comte d’Aure, 2026, 78 pp.

por Anna Rossell

Bienvenido este poemario de Alexis Hechavarría, un escritor cubano que recoge el testigo de la mejor poesía clásica en lengua española. Bienvenido doblemente. Porque en la actualidad encontrar poemas escritos en la mejor métrica, la que cultivaban los excelsos poetas del Siglo de Oro español y algún otro, también excelso, del siglo XX, es raro, es un regalo. Eran los mejores: Garcilaso de la Vega, Lope de Vega, Francisco de Quevedo, Luis de Góngora, Sor Juana Inés de la Cruz, Federico García Lorca y Jorge Luis Borges. Ellos, grandes cultivadores del soneto, y Vicente Espinel, Lope de Vega, Pedro Calderón de la Barca y Miguel de Cervantes, grandes de la décima. 

Sí, un regalo. Porque este poemario es un libro confeccionado únicamente a base de sonetos y décimas. Y no extraña, viniendo como viene de un escritor que cultiva también la música y que creció en una Cuba que sorprende por la genialidad de su repentismo al ritmo de décimas u otras formas de improvisación (Justo Vega, Adolfo Alfonso, Jesús Orta Ruiz, Ángel Valiente o Alexis Díaz Pimienta). 

La infancia de Hechavarría transcurrió además apadrinada por un buen poeta, Ramírez Duarte, su tío, a quien el sobrino aprendió a admirar por su poesía y a través del cual la conoció. Con él sostenía largas e inteligentes conversaciones sobre arte poética y literatura: «sobre literatura, sobre los sueños y las revelaciones, sobre los espíritus, el tiempo y la familia». Alexis Hechavarría lo reconoce como su maestro de referencia, así como también reconoce como referentes a Cesar Vallejo, José Martí, Julián del Casal y Juan Clemente Zenea. 

Al igual que Ramiro Duarte, quien también practicaba la décima, Alexis Hechavarría es un poeta de nostalgias y sueños. Su poemario se refiere a menudo a ambos. Nostalgias porque recurre a menudo a los recuerdos añorados de su infancia, a su libertad infantil correteando por el campo y las calles de su ciudad en Cuba, a sus juegos, elevando al cielo una cometa…: «Cielo azul, una cometa: / mis alas para soñar, / un juego para volar / por los aires del poeta. / Boina, libro, pañoleta: / el mundo hasta el horizonte. / Padre vestido de monte / sobre su blanco caballo, / Madre bordándole el sayo / a las plumas del sinsonte.» (Estampas de niñez). Y nostalgia por sus personas queridas, a las que admiró y sigue admirando, ancestros y amigos suyos, traspasados, que dejaron huella esencial en él, a los que gusta rendir homenaje y tener presentes. No es casualidad que el poeta reconozca como el poema que más le gusta de su libro «Peregrinación de los recuerdos». En él leemos: «Trenes, aviones y guaguas: / caballos de mi locura, / turbión que no tiene cura, / aguacero sin paraguas: / herencias que sobre yaguas / me dejaron los abuelos: / muertos calvos que sin pelos / en la lengua y la cabeza / me guardan de la tristeza, / del rencor y de los celos.» (I) // «Ancestros de lucidez / y de hondura cristalina, / manos de yugo y resina, / intrincada sencillez: / redonda y fértil preñez / que procrea en mi esperanza, / explosiones de la alianza / entre mi carne y el muerto: / madera, horizonte, puerto / que siempre mi mano alcanza.» (II) // […] «Me lo dijiste poeta / intemporal, tras el vuelo, / tu pie descalzo en el suelo / y tu vista en el cometa. / Me lo advertiste profeta / con un ademán de estrella, / me llevaste tras aquella / certidumbre del color, / debo escribir por amor, / por gratitud a tu huella.» (VII).

El sueño (suyo o de otros) es para la voz poética el alimento que nos sostiene: «Monte, caballo y arnés / horizonte colorado, / punta curva del arado / que desde el portal me ves. / Te imagino cada mes / desbrozando la maraña: / la ruta que lleva a España / soñando con Barcelona, / porque el soñar ilusiona / cuando la nostalgia araña.» (Padre). O rememora a un ser querido que dejó el mundo de los vivos, cuyas enseñanzas le siguen acompañando y con quienes desea reencontrarse: «¡Cuántas veces tu recuerdo ha iluminado / los fantasmas trashumantes de mi sino! / La guitarra que acompaña al desatino, / ese mundo por los cuerdos ignorado. // ¡Cuántas horas en mis sombras he invocado / a esos duendes que decías nos sostienen! / Las luciérnagas felices que detienen / con su lumbre, mi sendero equivocado. // Las cansadas ilusiones ya son humo / en los párpados del cielo taciturno / donde al tiempo que las vivo me consumo. // En las órbitas de mundos venideros / nos esperas con un libro entre las manos / alumbrando con tus versos mañaneros.» (Evocación). 

Los poemas de Hechavarría rezuman melancolía, pero también reclama su atención una realidad social que supone un amargo contrapunto al bagaje sensiblemente positivo que el sujeto poético transporta como herencia desde la infancia: «Esqueletos desangrando / los tuétanos a la hambruna / frente a enjoyada fortuna / indigesta, vomitando. / Alelados descifrando / si está en el cielo la luna, / ilusos en la comuna / huyendo del consumismo, /estatuas del comunismo: / rostros sin cara ninguna.» (Noticias). 

Pero el poeta echa mano también del humor, un humor finísimo que entrevera en sus versos y provoca la sonrisa del lector, y de su vena reflexiva, filosófica (sobre la vida, la suerte, el azar…). 

Según afirma el autor, el poemario es fruto de una larga trayectoria. Curiosamente debió de ser su título lo primero que concibió, pues dice que se le ocurrió hace treinta años, en la ciudad de Las Tunas (Cuba), sentado en una piedra, «mientras esperaba un camión, una vaca, un perro o un caballo», algún medio de transporte que lo llevara a La Habana. Sentido del humor no le falta. 

El prólogo del libro es de la poeta Carmen Plaza. 

Alexis Hechavarría Duarte (*Las Mangas, Bayamo, Cuba, 1971). Maestro por la Escuela Pedagógica Rubén Bravo Álvarez de Manzanillo (Cuba). Obtuvo el título de armonía y orquestación en Cuba. Reside en Barcelona desde 1994, donde ha desarrollado una intensa labor como músico, arreglista y profesor. A su llegada, fundó la peña El Duende, lugar de encuentro de cantautores y poetas. Escribe, además de poesía, cuentos y canciones. 

© Anna Rossell

(Filóloga alemana, escritora, poeta, crítica literaria y gestora cultural) 

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RILKE, EL POETA DE LA MODERNITAT EN LLENGUA ALEMANYA

Rainer Maria Rilke
Poemes
Introducció de Joan Margarit
Selecció i traducció de Feliu Formosa i Joan Margarit
Quaderns Crema, 2024, 342 pàgs.

per Anna Rossell

Sigui quina sigui la poesia a la qual s’adscrigui el lector, l’amant del gènere té raons per celebrar la publicació d’aquest llibre de Rainer Maria Rilke. Per bé que poemes de Rilke ja havien estat publicats en català, mai encara hi havia hagut la intenció d’oferir al lector una visió panoràmica fent camí des dels principis fins a la maduració.

Fer la tria no és fàcil, perquè Rilke fou un autor molt prolífic, precisament en poesia i prosa. Conreà també la dramatúrgia i l’assaig, i mantingué abundant correspondència amb molts intel·lectuals i poetes del seu temps, que ha estat publicada. Ha passat a la història com un dels poetes més prestigiosos de la modernitat en llengua alemanya.

Cal congratular-se, doncs, per la publicació d’una visió en perspectiva de l’obra poètica rilkeana que des de la distància dels anys s’ha anat destil·lant com la més reconeguda de tot el seu conjunt. Tant la selecció com la traducció han estat fetes per dos poetes catalans experimentats i consagrats, Feliu Formosa i Joan Margarit. La introducció, a càrrec del segon, fa un recorregut sobre els aspectes més importants de la vida i l’obra de Rilke, la relació temporal entre obra i biografia. Repassa cadascun dels llibres dels quals s’han seleccionat poemes i en destaca i explica els aspectes més rellevants, així com els tòpics més característics: l’àngel (que no té res a veure amb el de la mitologia cristiana), l’amor, la mort, els morts joves, la infància, l’heroi, la vida, la nit, la relació de l’ésser humà amb les coses… Per orientar el lector, Margarit també fa referència a altres obres de l’autor austro-hungarès, com la novel·la Els quaderns de Malte Laurids Brigge (1910), d’obligada lectura per a qui vulgui conèixer el Rilke essencial.

El recull poètic ens presenta la tria seguint la cronologia de l’escriptura per tal que el lector pugui seguir l’evolució del poeta, amb l’excepció que situa el poema triat del Llibre de les imatges, a continuació dels Nous poemes, malgrat aquell fou escrit (1902) i publicat abans (1905). Així, el llibre que veu la llum de la mà de Quaderns Crema comença per l’etapa considerada mitjana: els Nous poemes, publicats 1907-1908; segueix amb un sol poema de la primera època, del Llibre de les imatges, d’estil impressionista, i continua amb el que els experts consideren la culminació de l’obra rilkeana: les Elegies de Duino (escrites entre 1912 i 1922, publicades el 1923) i els Sonets a Orfeu (escrits i publicats el 1923). Clou la tria una selecció dels Poemes a la nit, també de l’etapa de la maduresa, i una altra dels Poemes esparsos i pòstums, d’anys diversos.
Rilke (*4 desembre 1875 a Praga, Àustria-Hongria; †29 desembre 1926 al sanatori Valmont, Montreux, Suïssa) no és un poeta fàcil de llegir; la seva poesia es teixeix amb imatges simbòliques. El seu interès per la dimensió transcendent de l’humà confereix als seus versos una qualitat sovint extàtica que es recull en un llenguatge de segell molt personal. La interpretació dels seus poemes demana més d’una lectura i un ample recorregut per la seva obra. Formalment és mestre de la musicalitat i del ritme, també de la rima, que conreà sobre tot en la seva primera etapa, que no ha pogut ésser recollida en la traducció catalana (p. ex. al Llibre de les hores, que és considerat una obra mestra del modernisme literari).

La culminació de la maduresa poètica rilkeana —hereva dels clàssics de Weimar i de la poesia de Hölderlin— canta les dimensions essencials de l’existència humana: el món exterior esdevé món interior en el poeta, la vida i la mort es recullen en forma d’elegia (en Rilke híbrida de les formes de l’himne i l’elegia tradicionals), pel seu caràcter melangiós i de lament (però també de lloança), expressant els sentiments del jo poètic. Formalment la versió alemanya no respecta sempre la tradició clàssica de l’elegia quant els dístics.
Les Elegies de Duino parlen de les contradiccions de la condició humana, l’ésser humà exposat a les seves limitacions, i desenvolupen una visió metafísica del món:
«[…]//I nosaltres: espectadors, sempre, a tot arreu, / sotmesos al tot, però mai enfora!/A nosaltres això ens emplena a vessar./Ho ordenem. S’enderroca./El tornem a ordenar i nosaltres mateixos ens enderroquem.//¿Qui, doncs, ens va tombar de tal manera/que, fem el que fem, adoptem sempre l’actitud del qui se’n va?//Com qui en l’últim turó que un cop més li mostra/tota la seva vall, es tomba i hi roman una estona,/així vivim, sempre acomiadant-nos.» (Vuitena Elegia). O bé: «¿Per què, si és possible viure la vida/com un llorer, d’un verd una mica més fosc que qualsevol,/amb les petites ondulacions en la vora de les fulles/(com un somriure del vent): per què, doncs,/hem de ser humans i, mentre defugim el destí, anhelar un destí)?…//[…]» (Novena Elegia).

Els Sonets a Orfeu rilkeans (cinquanta-cinc —no tots recollits en la traducció—) tenen la peculiaritat de no atenir-se formalment al sonet clàssic quant a l’estructura de la rima, del vers i de la mètrica, que varia amb freqüència en la versió original) i usa l’encavalcament de manera recurrent. Basats en els personatges mitològics d’Orfeu i Eurídice, en Les Metamorfosis d’Ovidi i Les Geòrgiques de Virgili, la veu poètica reflexiona sovint sobre les condicions i el caràcter essencial-diví de l’art, de la poesia. Tot fent referència a Orfeu, llegim: «[…]//El cant, com tu l’ensenyes, no és afany ni demanda/del no assolit encara: el cant és existència./Molt fàcil per a un déu, però, nosaltres,/¿quan existim? I ¿quan ell fa girar//els astres i la terra envers el nostre ésser?/[…]» (Sonets a Orfeu, Primera part III).

Per bé que Rilke forma part dels clàssics més consagrats, la seva recepció ha tingut tant grans admiradors que l’han encimbellat com detractors (el 1927, tot referint-se a les Elegies, Robert Musil afirmà que la poesia alemanya havia arribat amb Rilke a la perfecció, tanmateix considerava que els Sonets no mantenien pas el nivell d’aquelles).
Rilke fou també autor de poemes en francès i traduí Paul Verlaine i Paul Valéry, autors que coneixia bé. Va rebre la influència dels filòsofs Schopenhauer i Nietzsche. La seva obra concep la realitat mancada de l’esperança cristiana d’una transcendència en el més enllà. Rilke se sentia atret per la llengua àrab i la concepció musulmana d’un «univers autèntic», del «sentiment pur de les seves criatures».

És un gran encert editorial que la versió sigui bilingüe. Això permet al lector català que tingui nocions o fins domini de la llengua alemanya fer un seguiment del ritme, la rima o la construcció sil•làbica dels versos en la llengua original, que forçosament la traducció no pot reflectir de cap manera. Però, ultra això —i cal subratllar-ho amb èmfasi— facilita la comparança amb la traducció i comprovar-ne el mestratge. Perquè la dificultat de traduir poesia és enorme per raons inherents al llenguatge propi del gènere, que és susceptible de diverses interpretacions, per la complexitat intrínseca que suposen les imatges, per la subtilitat del lèxic…, però traduir la poesia de Rilke pel cap baix duplica aquesta dificultat per la seva manera personal i sovint obscura d’escriure. I els traductors ens lliuren un text català excel•lent, molt fidel a l’original quant al contingut i formalment bell per la musicalitat i el ritme que aconsegueixen mantenir. Així els lectors que no puguin fer comparació amb l’original també gaudiran d’una traducció extraordinària.

De cara a una segona edició, que espero sigui necessària, cal esmenar alguns errors (escassos) en la transcripció de l’original alemany, probablement deguts a la tipografia emprada en l’original de què s’ha servit l’editorial.

© Anna Rossell
(Filòloga alemanya, escriptora, poeta, crítica literària i gestora cultural)
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ROMÁN LÓPEZ-CABRERA

ROMÁN LÓPEZ-CABRERA:

SU POESÍA, UN REGALO, UN PLACER

Román López-Cabrera

Árbol axial o la dialéctica del frío

Sonámbulos Ediciones, 2023, 70 pp.

Un regalo, el poemario de Román López-Cabrera finalista del Premio Adonáis 2022. Su autor, que estudió Bellas Artes y dedicado sobre todo al cómic, es también compositor y cantautor. Y sin embargo, diríase que es un poeta nato y que respira poesía por los cuatro costados. Aunque ya sabemos que «lo cortés no quita lo valiente».

Román López-Cabrera (*Jacarilla, Alicante, 1988) es, como se desprende por las múltiples actividades que cultiva, que cultiva bien, un buen artista polifacético. No es éste el único libro de poemas que ha publicado. Lo precedieron La vida de las cerillas, Poseía, Por alusiones, Contrato en el aire, Puntos cardenales y Acontece, este último ganador del Premio Provincial de Poesía de Aspe 2021. Le auguro un futuro prometedor como poeta, porque ya el presente promete y tiene muchos años por delante; talmente parece que se hubiera alimentado de poesía desde el vientre materno. Su poesía está preñada de buenas metáforas, su escritura es riquísima en lo simbólico no convencional, en las referencias directas e indirectas a otras poesías (en plural, de autores y de poemas de distinto cuño). Su escritura es brillante y poéticamente fértil por la insólita combinación de un riquísimo léxico que sabe crear preciosísimas y potentes imágenes. Lo hace con contundencia y con una fluidez y una naturalidad que dan a entender un importante y vasto bagaje de lecturas de poesía de la mejor y una exquisita facilidad para beber de ella y convertirla en producto nuevo, personal y maduro.

Por la variedad de temas que trata Árbol axial o la dialéctica del frío viene a ser una ventana abierta a la presentación, a las emociones de todo tipo que mueven al autor, pues no sigue un único hilo temático de principio a fin. También en los diversos estilos que aborda poéticamente se aprecian diferencias que ponen de manifiesto una curiosidad inagotable y una necesidad de escribir sobre los muchos aspectos que impulsan a López-Cabrera a escribir y plasmar en un lenguaje que por su naturaleza se adapta a las sensibilidades exquisitas. Así pudiera decirse que leer este poemario es una buena tarjeta de presentación del autor como poeta y como persona.

Sí, su sensibilidad es exquisita y su maestría en el buen lenguaje poético, también. Las citas de poetas (o no) con las que introduce muchos de sus poemas dan buena cuenta de qué asuntos interesan al poeta y a qué poetas reverencia. La gama es extensa y muy diferenciada, porque conoce y admira las plumas más consagradas en lengua española de muy diversos países y épocas (generación del 98, generación del 27, generación de los 50 españolas, que de un modo u otro dejan su huella en el libro, pero también de otros confines de habla hispánica y de un sinfín de otras más jóvenes).

Como se afirma en la nota introductoria, el amor (y el desamor) es uno de los temas más recurrentes, que, si bien se despliega sobre todo en la primera parte, Árbol axial, también sigue en la segunda, La dialéctica del frío, y aunque, como leemos, apunta en esta última la conciencia social, en la segunda mitad la pluralidad de los temas es mayor: el declive de la vida y la muerte, la nostalgia de la niñez, la amistad, la exhortación a no rendirse, momentos compartidos de calor y humanidad…

Un poema amoroso de la primera parte reza: «[…] / El compostaje de recuerdos nos permite, / en ocasiones, seguir vivos. / Conmutación de la pena de muerte / en muerte de la pena, eres, / y náufraga cortina, arbitraria, nos descubre / el tesoro escondido en la ventana. // […] // No desaparezcas, puerta abajo, / que no ha tenido ocasión, aún, de darse forma, / la mancha azul del cielo, / y el centro de luz aún está dormido, / que es, aún, el sol, carbón prensado.» (Árbol axial, Carbón prensado).

O bien: «[…] // El tiempo hace fácil olvidar / que todo esto, antes que tú, / fue Apocalipsis, / un páramo adyacente a la miseria / de un corazón insano / y famélico   —en los huesos—. // No haberte conocido / fue hecatombe. / Big Bang tremendamente fértil: / conocerte. // […].» (La dialéctica del frío, De allí nunca).

Las amenazas que inducen al ser humano al adormecimiento o a la muerte del espíritu, a sucumbir, impelen al sujeto poético a exhortar a no rendirse ante los embates que nos invitan a la sumisión o a la tentación acomodaticia de la rutina: «No te dejes morir en la inclemencia. / No te espigue el futuro el abandono. / El destierro de ti, / el nunca verte / a ti misma, o mismo, / en el espejo. // No te huyas. / No te largues de ti / hacia los otros. / […]» (Amor propio). O bien: «No te contengas en frasco de zumo de aire; / recopilarte busca Dios, como en una antología. / Un número más, otra apatía, un contestador / con voz de ti que no es la tuya. // Que si viene, o llama, atemoriza la costumbre, / si te intoxica el paramecio de la sombra; / si se articula en torno tuyo una avalancha, /no atiendas los sables que te apuntan. // […].» (La estúpida manía de seguir en pie).

La muerte del espíritu es la verdadera muerte, nos advierte: «[…] // Cuando venga el negador de primaveras, / cuando la marea de naftalina te persiga; / cuando sea la hora de la hora, y te caduques, / no te pierdas, corazón: ven a buscarme.» (Ven a buscarme).

Calidez humana traspasa la poesía de López-Cabrera. Vierte en situaciones recordadas o contempladas una mirada reposada, un vínculo afectuoso que le conecta con otras personas y/o con la naturaleza, por ejemplo en el poema que J. A. Goytisolo dedicó a su amigo Gil de Biedma, Bolero para J. G. de Biedma: «Me veo llevado / con vocación de abismo / a hacerlos míos / —los versos que Goytisolo / a De Biedma dedicara—: «a ti te ocurre algo». // […].» (A ti te ocurre algo). O cuando rememora sentirse transportado a una estación del año a la que el sentido olfativo lo traslada: «[…] // Ya viene este olor de año cansado, / esta paráfrasis de manta y de castañas. / / Si entiendes el oculto léxico del humo / se te abre el conocimiento, las historias /que dentro de las casas cuentan las hogueras». (El léxico del humo).

Técnicamente utiliza el verso libre con ritmo y cadencia musical, hibridación de palabras: «[…] // Quererte duele menos / si te quiero a contrapelo, / a contranube, / contraespuma, / contramundo cruel, y contrato / y todo sin firmar.» (Amor de ahora), encabalgamiento, sinestesia: «Parpadeará mi voz la carraspera; / el panadero del tiempo, heñir mi carne / y derretirla querrá; y hallar mis angosturas / buscará la ropa que hoy me ciñe. // El octubre de mi muerte y mi recuento / bañará mi cerviz en su lejía, / y lo demás será, caedizo, / convocado por el suelo y por la tierra. // […].» (Llegaré, si he de llegar).

Altamente recomendable.

© Anna Rossell

(Filóloga alemana, escritora, poeta, crítica literaria y gestora cultural)

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WALTER BENJAMIN, LA CLARIVIDENCIA DE UN MARXISTA

Claudia Kalász (guión)

Detlef Jesgarz (iniciador y realizador técnico)

Walter Benjamin

Experiencia en tiempos sombríos

Podcast (54 minutos): https://niemandsland. Contrabanda.org/2023/12

Una producción de Niemandsland RadioArt. ©Barcelona 2023

Erfahung in finsteren Zeiten

Eine Produktion von Niemandsland RadioArt. ©Barcelona 2024 Bubok Editorial, 2024, 123 pp.

Podcast (53 Minuten): https://archive.org/download/20240805-niemands-land/20240805-Niemands_Land.mp3

por Anna Rossell

No es fácil encontrar palabras para describir la impagable iniciativa de Claudia Kalász y Detlef Jesgarz. Kalász (Mönchengladbach —Alemania—, 1953), filósofa, filóloga alemana y traductora, residente en Cataluña desde hace años; Jesgarz (programa «Niemandsland» de Contrabanda FM (Barcelona) y autor del libro Contrabanda FM: una radio libre en un mundo poco libre, iniciador del proyecto sobre Benjamin y realizador técnico. Lo que nos regalan es impagable por numerosas razones: porque nos acercan a Walter Benjamin, un pensador de enorme calado, por el modo en que lo hacen y por el momento en que lo hacen.

Huelga decir que no es tarea sencilla presentar a Walter Benjamin, que nos ha legado una ingente obra, en un podcast de algo menos de una hora. Y precisamente porque no lo es resulta tan meritorio. La idea, el texto y la dirección son de Kalász y Jesgarz. Ambos trabajaron en estricta colaboración en un proceso casi artesanal y el producto radiofónico es fruto de un continuo intercambio. Quiero subrayar el exquisito acierto tanto en la estructura de la puesta en escena radiofónica (los capítulos elegidos) como en la selección de los textos de toda índole, porque todo ello apunta al mismo claro objetivo: rememorar el pensamiento esencial de Benjamin y hacerlo en un momento en que su clarividencia, expuesta en sus tesis ya en los años veinte y treinta del siglo pasado, se nos revela como una profecía cada vez más perfilada y amenazadora. El trabajo de Kalász y Jesgarz es una condensación muy depurada, exquisita, que en su brevedad sabe transmitir pensamiento y vida del filósofo, ensayista y crítico literario excepcional de la República de Weimar. Por lo demás la ejecución es un trabajo coral: son muchas voces las que intervienen en la grabación de los comentarios, las citas, anunciando los capítulos o ejerciendo de cronista. El podcast constituye un mosaico, que por su naturaleza, a base de su composición a partir de piezas de diversa procedencia, hace emerger un mundo poliédrico: el de la vida y la obra de Walter Benjamin.

A nadie puede escapársele que Benjamin fue un visionario, pero un visionario racional y racionalizador: su concepto y su imagen de la Historia (sus tesis Sobre el concepto de historia, la afirmación «Hay que fundamentar el concepto de progreso directamente en la idea de catástrofe. El hecho de que todo siga igual es la catástrofe misma […]», el nexo absolutamente original que estableció entre el mesianismo de la Cábala y el materialismo histórico y la incisiva relación entre pasado, presente y futuro (entre recuerdo y memoria como constelación simultánea a la que se refiere como dialéctica en suspenso e imagen dialéctica). La amplitud y apertura de mente del filósofo se reflejan en el paradójico espectro de sus vínculos personales e intereses intelectuales y atestiguan el vanguardismo de un pensamiento que en su tiempo — que hoy conserva flagrante actualidad— sentó las bases de un nuevo materialismo histórico, en especial para la teoría del arte (La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica). La penetrante visión de Benjamin alcanzó a ver relaciones inesperadas para un marxista, enormemente fecundas: las figuras que Baudelaire en sus Fleurs du Mal —el flaneur, la prostituta, el trapero— como alegorías del capitalismo (Benjamin, Pasajes / Passagen). De su vanguardismo radical y experimental, que a menudo bebía de fuentes del pasado (las alegorías de la muerte del pintor barroco español Juan de Valdés o el socialista utópico Fourier, al que consideró un visionario del siglo XIX), dan fe tanto el hecho de que su trabajo de habilitación sobre el Origen del drama barroco alemán fuera rechazado por los expertos académicos por «opacidad objetiva» como que un pensador de su talla fuera relativamente desconocido en su tiempo, a pesar de que escritos suyos ya hubieran sido publicados en medios importantes.

El resultado es una pieza de radioteatro llevado a cabo con rigor filológico que no tiene desperdicio. El formato elegido contribuye al objetivo perseguido: tanto la diversidad de voces —en algunos momentos superpuestas— que da a entender realidades biográficas, como la multiplicidad y extrema diversidad de relaciones del pensador, así como los sonidos, que contribuyen a contextualizar lugar y tiempo, contribuyen a que forma y fondo se entrelacen y complementen.

La actualidad y vigencia del legado de Benjamin, la advertencia de la amenaza del fascismo, se subrayan al final con la mezcla de voces de los líderes de partidos actuales de la ultraderecha en el mundo. El libreto va acompañado de una introducción explicativa de Claudia Kalász, las correspondientes notas a pie de página así como de una relación de los textos citados y de las fuentes musicales y sonoras, y de la correspondiente bibliografía en español y en alemán.  

© Anna Rossell
(Filóloga alemana, escritora, poeta, crítica literaria y gestora cultural)
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LA MICROINTERIORITAT NARRATIVA

Emília Illamola
Tornar al bosc
Font del Cargol, 2024, 204 pàgs.

per Anna Rossell

Llegir Emília Illamola (*Argentona, 1953) és submergir-se en els replecs d’un pensament femení. La novel·lista maresmenca ha publicat un reguitzell de llibres que ja permeten parlar d’un personalíssim estil, un segell particular que podríem anomenar microinterioritat narrativa. Perquè no hi ha dubte que la interioritat és lo seu.

A tots els seus textos en prosa —Fraccions (prosa poètica,Viena Edicions, 2012), les novel·les Joc de llunes (Nova Casa Editorial, 2014), Una certa onada (Quorum Llibres, 2015), Más allá del cielo azul (Nova Casa Editorial, 2016), La lectora accidental (Quaderns de la Font del Cargol/Cossetània, 2021), amb excepció potser de Cabrils, Sao Paulo, Barcelona. Un amor pendent (Voliana Edicions, 2017), que tingué un punt de partida diferent de la resta, perquè fou un encàrrec amb un tema donat per endavant, s’hi fa extremament palès aquest segell. I encara un altre tret se suma a aquesta empremta tan seva: la ment femenina pràcticament en exclusiva com a objecte d’observació i la relació dels temes que elegeix amb la biografia de la protagonista.

Les protagonistes sempre femenines d’Illamola són criatures a la cerca de les raons que les han empès en la vida en una direcció determinada. Totes elles es demanen el perquè del seu capteniment, el perquè d’una decisió o d’una altra. De totes elles el lector coneixerà, doncs, una part de la biografia del personatge, sovint una gran part, perquè a l’autora li agrada la mirada enrere, endinsar-se en el passat vital per poder lligar els perquès, les baules que van forjant la cadena que porta a la seva criatura de ficció al moment actual en què es troba. Hom diria que els respectius projectes de vida de les figures femenines principals no poden avançar sense qüestionar-s’ho gairebé tot, sense mirar d’aclarir dubtes irresolts, que sovint no es resolen. Una característica de la prosa d’Illamola són les oracions condicionals i les preguntes i, quan el personatge apunta una resposta, la pregunta se li torna a plantejar de bell nou, de vegades només amb un petit matís diferent. Tanmateix, la dona-personatge ha d’intentar trobar explicacions, i la intenció ja li serveix, perquè fins a cert punt fa un pas endavant i assoleix una certa seguretat que abans li mancava. Aquestes pinzellades, comunes, confegeixen un caràcter de ficció que, per bé que en cadascun dels llibres té un nom diferent, ve a ser el mateix. El fet que el pensament interior de la dona-personatge ocupi la part més important de les novel·les li atorga una pes decisiu, en constitueix el focus, l’eix, i el lector que ha anat seguint regularment la producció d’Illamola acaba per familiaritzar-s’hi fins al moll de l’os. Al voltant del focus-eix l’autora hi organitza la temàtica que fa la diferència d’una novel·la a l’altra, però el focus-eix és pràcticament sempre el mateix: la soledat de la protagonista, que ella busca, propicia la seva introspecció, un monòleg interior en tots els casos molt similar. Això pot suposar un avantatge o un inconvenient. Alguns lectors es poden fer addictes al seu segell tan personal i a la dona-personatge, que sembla única (per bé que la bategi amb noms diferents) i es mantindran fidels a l’autora. Però també pot passar —no té per què, però pot succeir— que l’autora esgoti la interioritat de la dona-personatge única, si no es vol repetir més.
A Illamola li abelleix el tempteig constant en el passat. Que totes les seves protagonistes hi tendeixin amb aquesta insistència i que més d’una es mogui per la zona d’Argentona fa pensar que l’autora mateixa no només hi empatitza, sinó que s’hi identifica i treu l’univers interior de la dona-personatge única de la seva pròpia experiència.

En el cas de Tornar al bosc, la Bruc Muntanyà és una escriptora que viu a Horta (Barcelona), on fa uns anys s’ha traslladat fugint del seu poble natal d’El Maresme, on ha viscut un gran desengany. La Bruc, que ja ha publicat, ara ha acabat una novel·la l’argument de la qual té a veure amb la seva biografia, sobre tot amb el grup d’amigues de la seva adolescència. L’agent editorial de la Bruc li proposa introduir-hi certs canvis substancials que en la seva opinió farien créixer les vendes i, per tant, li reportarien més guanys. Arran d’això la Bruc es planteja si li farà cas o no, i la decisió que ha de prendre serveix a Illamola per encetar la reflexió sobre autenticitat i raó comercial en la literatura.
La Bruc sent el neguit de no haver tancat aquella fugida del seu poble i se sent empesa a tornar-hi per cloure aquella qüestió pendent, cosa que estarà relacionada amb els canvis que acabarà per introduir en el seu llibre, però que no seran els que li proposa la representant editorial.

Illamola sap confegir els monòlegs interiors de la seva protagonista de manera que les dosis d’informació de les causes de la marxa de la Bruc cap a Barcelona vagin pas a pas enrere i no es descobreixin de bon començament ni de cop. Hi ha, doncs, un punt de tensió que manté el suspens. La Bruc ens va donant pistes, ella i el ventall d’amigues de l’adolescència, la relació amb les quals un cop al seu poble torna a recuperar a discreció. Illamola alterna els monòlegs interiors, que constitueixen els subcapítols del llibre i suggereixen entrades d’un diari personal (encara que no ho siguin), amb els diàlegs físics o per whatsapp que van sostenint les amigues (i algun amic —la figura masculina sempre està només en funció de la femenina—) entre elles i amb la Bruc. Val a dir que les converses entre les amigues es mantenen en un nivell superficial i no aporten cap profunditat sobre l’amistat, les relacions de parella o altres sentiments universals que les caracteritzen. Les descripcions sensibles de bells paisatges que acompanyen la soledat de la protagonista i en què sovint els seus ulls queden sospesos estimulen la seva introspecció i esquitxen de moments poètics la prosa d’Illamola.

El bosc del títol remet tant al bosquet físic del poble pel qual torna a passejar i passejava la Bruc en la seva infantesa com també a la metàfora que suggereix la paraula.

© Anna Rossell
(Filòloga alemanya, escriptora, poeta, crítica literària i gestora cultural)
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